Obrazy

Obrazy

Piękne obrazy Richarda S Johnsona

Świetliste piękno i liryczna jakość dzieł Richarda S Johnsona urzekają dziś kolekcjonerów. Techniczna wirtuozeria dawnych mistrzów, prerafaelowski romantyzm oraz współczesny ekspresjonizm i abstrakcja łączą się, tworząc jego wyjątkowe dzieła o wzruszającej głębi i artyzmie.

Urodzony w Chicago w artystycznej rodzinie, jego najwcześniejsze wspomnienia to spływanie w deszczowe popołudnia książek Charlesa Dany Gibsona, NC Wyetha i Johna Singera Sargenta. Jeszcze w szkole podstawowej otrzymał stypendium prestiżowego Art Institute of Chicago. Później uczęszczał do Amerykańskiej Akademii Sztuki, a po ukończeniu studiów rozpoczął bardzo udaną karierę jako ilustrator, zanim został wielokrotnie nagradzanym artystą plastycznym.

Pewne pociągnięcia pędzla Johnsona, śmiałe użycie koloru i impastu oraz delikatne odwzorowanie ludzkiej twarzy i formy, wszystko to współgra w harmonii, tworząc „Poetycką Intymność”.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Zobacz stronę internetową

Read more
Obrazy

10 słynnych obrazów Pabla Picassa

Obrazy Pabla Picassa są dziś tak znane, że często jest synonimem najlepszego artysty. Był zdecydowanie rzadkim geniuszem i jedną z najważniejszych postaci w rozwoju sztuki XX wieku. Dzięki swoim odważnym i innowacyjnym wysiłkom artystycznym ten Hiszpan zyskał światową sławę przed 50 rokiem życia, stając się najbardziej szanowanym artystą na półkuli zachodniej.

Jego niepowtarzalny styl i boski dar sprawiły, że Picasso stał się postacią, która miała największy i najbardziej znaczący wpływ na ewolucję sztuki nowoczesnej i świat sztuki.

Pablo Picasso urodził się w 1881 roku w hiszpańskim mieście Magala. Wcześnie odkrył swoje powołanie do życia i zapisał się na zaawansowaną klasę sztuki, gdy miał 15 lat..

Większą część swojego życia Picasso spędził we Francji, którą kochał. W 1904 przeniósł się do Paryża, a w 1947 przeniósł się na słoneczne południe kraju.

Twórczość Picassa zwykle dzieli się na okresy, wszystkie odrębne i ciekawe.

Jego wczesny okres niebieski przyszedł około 1901 roku i trwał około trzech lat. Większa część prac plastycznych należących do tej fazy została wykonana w ciemnych, głębokich odcieniach błękitu.

Okres róż pojawił się około 1905 roku, zajmując rok jego kariery. Ta faza jest charakterystyczna dla jaśniejszej palety, radosnego stylu z teatralnymi postaciami.

Obraz Picassa wykonany w 1907 roku oznaczał nie tylko przejście artysty do nowego stylu, ale w pojedynkę zmienił bieg sztuki nowoczesnej. Była to „Les Demoiselles d’Avignon”, czołowy obraz kubizmu i ceniona ikona sztuki nowoczesnej. Obraz wywołał wiele zamieszania w społeczeństwie, ponieważ uchodziło za skandal przedstawianie nagich prostytutek w tak ohydny sposób. Publiczność zrozumiała później, że to przedstawienie zmieniło reprezentacyjne cechy malarstwa i położyło podwaliny pod sztukę konceptualną i surrealistyczną..

W oczekiwaniu na II wojnę światową i dotknięty konfliktem w Hiszpanii Picasso namalował kolejną ikonę sztuki XX wieku – „Guernicę”. Bezpośrednią inspiracją było zbombardowanie Guerniki, a malarstwo było porywającym protestem artysty wykonanym na dużą skalę. Przedstawił potworną walkę, splecione postacie w straszliwym bólu i walce, jak agitował pod koniec tego okresu, potępiając faszyzm. Guernica była potężnym obrazem politycznym i genialnym dziełem sztuki, które stanowiło ważny punkt w zaangażowanej sztuce współczesnej.

W dalszej karierze Picasso poświęcił wiele czasu na odkrywanie komedii i fantasy. Zwrócił się do innych mediów, takich jak grafika, rzeźba i ceramika. Wciąż stale pracując, stworzył w tym okresie ogromną liczbę ilustracji, rysunków i projektów o kapryśnej treści.

Picasso zastanawiał się również nad wyobrażeniem innych dzieł sztuki stworzonych przez jego wybitnych kolegów. Na ostatnim etapie kariery malował wariacje na temat dzieł Velasqueza i Delacroix. Te utwory to fenomenalne interpretacje, które do tej pory cieszą się popularnością ze względu na swoją artystyczną jakość.

Pablo Picasso zmarł we Francji w 1973 roku w wieku 91 lat. Po jego śmierci zidentyfikowano 22 000 dzieł sztuki stworzonych przez współczesnego mistrza.

Fakt, że Picasso nigdy nie przestał eksperymentować i odkrywać, i że pozostał wierny własnemu, niepowtarzalnemu stylowi, pomógł wyróżnić go jako jednego z największych artystów minionego stulecia, a być może także w historii sztuki.

Lista obrazów Pabla Picassa

Chłopiec z fajką – Garçon à la Pipe, 1905

Wczesny obraz Picassa, przeznaczony do jego okresu Róży. Namalował to dzieło wkrótce po przyjeździe do Paryża, przedstawiające chłopca trzymającego fajkę i noszącego wieniec z kwiatów.

Stary gitarzysta, 1903

Obraz pochodzi z okresu Niebieskiego. Przedstawia starego, ślepego, słabego mężczyznę z delikatnością trzymającego gitarę. Jest graczem ulicznym w Hiszpanii. Obraz przedstawiony jest w odcieniach błękitu i opiera się na ekspresjonizmie.

Les Demoiselles d’Avignon, 1907

Być może najbardziej rewolucyjne malarstwo w sztuce współczesnej. Zdekonstruowała wszystkie przyjęte reguły estetyczne, obraziła i zaszokowała purystów portretowaniem prostytutek, w pojedynkę zmienił bieg sztuki w bardziej abstrakcyjną dziedzinę. Jest uważany za pierwszy obraz kubizmu. Przedstawia pięć nagich prostytutek z burdelu w Barcelonie.

Martwa natura z butelką rumu, 1911

Obraz został ukończony, gdy Picasso przebywał we francuskich Pirenejach, ulubionym miejscu muzyków, poetów i artystów. Kubiści kochali tę górę przed I wojną światową i jest to w pewnym sensie drugi dom ruchu. Obraz wykonany w wyszukanym stylu kubistycznym.

Tête – Głowa, 1913

Ten słynny utwór jest jednym z najbardziej abstrakcyjnych kolaży kubistycznych. Profil głowy można prześledzić w narysowanym węglem półokręgu, ale wszystkie elementy twarzy są mocno zredukowane do kształtów geometrycznych.

Martwa natura z kompotem i szkłem, 1914-15.

Kształty o czystym kolorze i fasetowane przedmioty zestawione są w harmonijnej kompozycji. Picasso badał fakturę i powierzchnie na tym obrazie, przywołując praktykę kolażu, którą często stosował.

Dziewczyna przed lustrem, 1932

Obraz przedstawia portret młodej kochanki Picassa Marie-Thérèse Walter. Dziewczyna i jej odbicie to jej zdjęcia w dzień i w nocy oraz przejścia dziewczyny w uwodzicielską kobietę.

Guernica, 1937

Ten obraz przedstawia tragizm wojny i cierpienie niewinnych ofiar. Dzieło jest monumentalne w skali i znaczeniu i jest akceptowane na całym świecie jako symbol antywojenny i plakat pokoju.

Płacząca kobieta, 1937

Picasso był ogólnie zainteresowany tematem cierpienia. Ten obraz jest finałem cyklu płaczących kobiet, który namalował w tym roku i ma najbardziej szczegółową kompozycję. Temat uważany jest za kontynuację Guernicy.

Naga kobieta na plaży i łopata, 1960

Kolejny obraz interpretacyjny Picassa, oparty na dziele historycznym. Scena jest w dużej mierze zmniejszona, odrzucając trzeci wymiar. Jest to styl późnokubistyczny, z wyraźnymi implikacjami surrealizmu w temacie i sposobie malowania.

Gwałt Sabinek, 1962

Obraz ten jest interpretacją kompozycji historycznej. Dokonano tego w szczytowym momencie kryzysu kubańskiego, przedstawiając cień między Wschodem a Zachodem i emanujący groźbą wojny.

Read more
Obrazy

7 elementów sztuki

Elementy sztuki to podstawowe cechy dzieła sztuki, wizualnie wykrywalne i oddzielnie identyfikowalne. Istnieje sześć podstawowych elementów sztuki wizualnej, które zestawione w określony sposób tworzą dzieło sztuki. Są to linia, kształt, kolor, forma wartości i tekstura.

Przestrzeń można dodać również jako jeden z elementów artystycznych. Kluczem do zrozumienia zasad sztuki i analizy sztuki jest poznanie tych elementów. Nie wszystkie muszą być częścią każdego obrazu, czasami celowa nieobecność niektórych z nich jest wyróżniającą cechą stylu artystycznego. Jednak dla wszystkich obowiązuje jedna zasada – nauka malowania jest konieczna, poza tym i pomimo naturalnego talentu wiedza jest podstawową odskocznią do osiągnięć artystycznych.

Linia

Linia to najprostszy wizualny środek wyrazu. Łączy pewną odległość między dwoma punktami i może być prosty, krzywy, kanciasty lub swobodny. Szerokość, kierunek i długość linii często określają pociągnięcie indywidualnego artysty.

Jest kluczowym elementem projektu i niezbędnym składnikiem znaków i oznaczeń. Gruba lub cienka linia pomaga ukształtować kształt i formę, stworzyć rysunek, a co za tym idzie jest najbardziej podstawowym składnikiem figuralnych i wielu abstrakcyjnych stylów artystycznych. Niektóre techniki, takie jak grafika, opierają się na linii, a niektóre typy rysowania są definiowane przez same proste linie, takie jak croquis.

Zobacz uproszczony rysunek Jeana Dubuffeta. Przypomina kawałek dziecięcy, wykonany szybko czystymi liniami. Rysunek psa autorstwa Davida Hockneya należy do innego stylu, ale jest po prostu wykonany z linią jako niezbędnym elementem graficznym.

Kształt

Kształt odnosi się do obszaru wyznaczonego przez krawędzie – linie, który jest dwuwymiarowy. Często jest to związane z prostymi figurami geometrycznymi, takimi jak trójkąt, kwadrat, prostokąt, koło czy różne wielokąty. Jednocześnie może naśladować dowolne kontury występujące w naturze, przedstawiając sylwetki różnych zwierząt, przedmiotów, ludzi czy roślin. Kształt nie może istnieć bez innych podstawowych elementów sztuki. Zajmują się również tworzeniem tematyki, niezależnie od tego, czy jest to sztuka figuratywna, czy abstrakcyjna.

Zobacz, jak podstawowa geometria jest używana jako taka w obrazach De Stijl Pieta Mondriana. Z drugiej strony kubizm Georgesa Braque’a opiera się na tych geometrycznych kształtach, ale wykorzystuje je jako podstawę do budowy rozpoznawalnych obiektów.

Kolor

Bez koloru nie byłoby sztuki. Kolor buduje atmosferę obrazu, najlepiej opisuje emocje, a style takie jak impresjonizm opierają się niemal wyłącznie na kolorze. Zwróć uwagę na lekkie niuanse dzieła Moneta i żywe kolory krajobrazu Van Gogha.

Kolor jest bezpośrednią konsekwencją odbicia światła i jednym z najważniejszych elementów sztuki. Odcienie kolorów występują w pewnej skali, ale istnieją trzy podstawowe kolory – niebieski, czerwony i żółty. Po zmieszaniu te trzy kolory wytwarzają wszystkie inne niuanse widma. Pierwszą cechą koloru jest zatem niuans lub odcień, określający kolor, w terminach, które definiujemy jako czerwony, zielony, żółty, pomarańczowy i tak dalej. Intensywność to kolejna cecha tego elementu obrazowego, opisująca wyrazistość odcienia, w zakresie od jasnych, głębokich i żywych do matowych lub pastelowych. Intensywność często odnosi się do nasycenia lub jego czystości. Wartość to trzecia cecha koloru, określająca jego jasność lub ciemność. Każdy odcień jest dostępny w różnych odcieniach, zabarwionych na biało, aby stać się jaśniejszym, lub cieniowanych na czarno, aby przyciemnić.

Wartość

Wartość jest elementem sztuki odpowiedzialnym za dramatyczne i emocjonalne wrażenie dzieła sztuki, tuż obok koloru. Odnosi się do lekkości i mroku dzieła, niezależnie od jego barwy. Czasami nazywany „tonem”, wartość można osiągnąć dodając do bazy szarość – czysty kolor. Jest nieodwracalnie połączony ze światłem, podobnie jak kolor, ale jego celem jest przedstawienie iluzji światła. Dlatego powierzchnie na obrazie muszą być renderowane w różnych wartościach, nawet jeśli temat ma ten sam niuans. Cieniowanie i barwienie pozwalają na nieograniczone przejścia w renderowaniu powierzchni, a wykonane umiejętnie, przywołują naturalny wygląd rzeczy. Jeśli spojrzysz na arcydzieło Vermeera „Kobieta z równowagą”, zobaczysz, jak jej skóra i okolice wydają się jaśniejsze lub ciemniejsze, w zależności od tego, jak pada na nie promień światła. Krajobraz Corota przedstawia zieloną scenerię, ale gdy światło pada na las pod różnymi kątami, trawa i liście wydają się ciemniejsze lub jaśniejsze.

Formularz

Forma nawiązuje do trójwymiarowej postaci przedstawionej na obrazie. Definiuje go iluzja objętości uzyskana dzięki zastosowaniu cieni i perspektywy. Oczekuje się, że forma jako taka będzie miała szerokość, wysokość i głębokość, i tak jak w malarstwie jest tylko złudzeniem optycznym, tak w rzeźbie jest najważniejszym składnikiem. Formy, podobnie jak kształty, wywodzą się z geometrii i mogą być stożkami, sześcianami, kulami itp. lub ze świata przyrody. Formy organiczne definiują wszystkie figury występujące w przyrodzie, od ludzi, zwierząt i roślin, po inne nieorganiczne, naturalne i nieregularne przedmioty.

Zobacz, jak w swojej wczesnej pracy „Kosz z owocami” Caravaggio wykorzystuje niektóre z podstawowych elementów sztuki, aby stworzyć iluzję trójwymiarowej formy. Art Deco był nowoczesnym i dekoracyjnym stylem opartym w dużej mierze na geometrii, ale przedstawienie formy miało wyraźną trójwymiarową charakterystykę, co widać w pracach Tamary de Lempicka.

Tekstura

Tekstura opisuje dotykową jakość pomalowanego obszaru lub iluzję tej jakości. Może więc być namacalny lub malowany – symulowany, naśladujący, jak może wyglądać prawdziwa faktura tkaniny, kamienia, drewna, skóry. W sztuce klasycznej symulowana tekstura była używana do przedstawiania tkanin, przedmiotów i opalenizny porcelany, ale wraz z postępem nowoczesności i pojawianiem się nowych technik, prawdziwa, dotykowa faktura stawała się coraz bardziej powszechna. Faktura zapewnia bogactwo, naturalność charakteru dzieła sztuki, a jej brak również może być świadomym stwierdzeniem. Osiąga się to poprzez połączenie innych podstawowych elementów sztuki.

Faktura w pracach Van Gogha jest tak samo ważna jak ich kolor. Grube i ważkie impasto Karela Appela podkreśla ekspresję i emocje jego abstrakcyjnych obrazów.

Przestrzeń

Przestrzeń to obszar otaczający lub wypełniający dzieło sztuki i malowany przedmiot. Sztuka klasyczna od dawna poświęcona jest tworzeniu iluzji przestrzeni, podczas gdy sztuce współczesnej udało się ją na wiele sposobów zanegować. Nowoczesność zrodziła ideę przestrzeni pozytywnej i negatywnej. Przestrzeń pozytywna to przestrzeń zajmowana przez podmiot, podczas gdy przestrzeń negatywna go otacza.

W renesansie perspektywa była kluczowym narzędziem do osiągnięcia iluzji głębi i przestrzeni. Zwróć uwagę, jak Raffaello buduje swoje wnętrze za pomocą planów architektonicznych wraz z kwadratową podłogą wyłożoną kafelkami, przestrzegając zrównoważonych zasad perspektywy. Arcydzieło Maneta „Bar w Folies-Bergere” to wczesnonowożytny, impresjonistyczny utwór, który tworzy przestrzeń poprzez odbicie lustrzane, w zestawionych płaszczyznach, a nie w perspektywie akademickiej.

Read more
Obrazy

Obrazy akrylowe Jasona Edmistona

Akryl

Jako ilustrator komercyjny od 1996 roku, Jason tworzył prace dla klientów z branży reklamowej, wydawniczej, opakowaniowej i wydawniczej na całym świecie. Jest artystą tradycyjnym, malującym akrylem na papierze akwarelowym lub desce. Jego styl waha się od realizmu po przesadę, zwykle podkreślając sylwetkę, a także pewną dozę humoru lub karykatury. Jason jest często proszony o naśladowanie określonego gatunku ilustracji, takiego jak plakaty filmowe, okładki lub reklamy w stylu retro. Jego zamiłowanie do popkultury, zwłaszcza filmów i zabawek, często wkrada się do jego prac.

Zęby

 

Finał zacieru potworów

 

król Kongu

 

hibernacja

 

 

ciarki

 

baronowa

 

 

 

 

Odwiedź stronę

Read more